Como no hay dos sin tres, ya estamos calentando motores para reunir por tercer año consecutivo en el hotel Room Mate Larios a artistas, galeristas, gestores culturales y comisarios de todo el país. Esta edición llega cargada de novedades, la más importante es que Art&Breakfast se enmarcará en el Málaga Innovation Festival (MIF) que se celebrará paralelamente en el Palacio de Ferias y Congresos de la capital.

Este gran evento organizado por el Ayuntamiento de Málaga reunirá a más de 8.000 profesionales de todo el mundo, más de 400 inversores, 600 startups y 300 ponentes para promover la figura del business angel y mostrar el talento existente en el sur de Europa. Con Málaga como modelo de desarrollo y crecimiento sin precedentes, el MIF incluye mesas redondas, ponencias, networking, rondas de inversión, startups internacionales y actividades de ocio que girarán en torno al contenido digital, smart city, movilidad, gaming, innovación social, spinoffs y mucho más.

Junto a Art&Breakfast, el MIF engloba más de una treintena de encuentros y actividades promovidos por otras tantas entidades para poner en común el talento innovador con una red de agentes con una capacidad inversora global estimada de 500 millones de euros.

Porque más allá del aislamiento creativo, proceso que consideramos sagrado, es importante que los artistas sean capaces de integrar las nuevas tendencias tecnológicas y ampliar así las posibilidades de investigación en el ámbito artístico. Por todo ello, este año hemos organizado una serie de actividades en torno a la cultura innovadora y la aplicación de las nuevas tecnologías a la creación artística y la gestión cultural. Así, contaremos con la colaboración entre otros de IT Gallery, un software de gestión de colecciones de arte para galerías, museos y coleccionistas privados. Junto a esta eficaz herramienta, nuestros participantes de esta edición pueden exhibir sus obras en la galería virtual de ARTEINFORMADO, el portal líder de arte contemporáneo iberoamericano.

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FORMAS DE PERMANECER. Una conversación con Guillermo Martín Bermejo. Por Carlos Primo.

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Como pequeños espectros casi imperceptibles, los dibujos de Guillermo Martín Bermejo (Madrid, 1971) llevan años dando una réplica delicada y poética a la grandilocuencia de la escena artística. Tras un proceso de despojo que ha conducido a una gramática severa y ascética –papel, lápiz o grafito–, el último año ha estado marcado por la publicación de su primer libro –El viaje de invierno (Editorial Newcastle)– y la presentación en público de varias series de dibujos que ilustran una evolución a contracorriente, en busca de oxígeno y de silencios. Ahora hablamos con él sobre poesía, despojamiento, mística y coleccionismo. También sobre dibujo, claro.
 
En estos últimos años, tu trabajo ha evolucionado de una forma peculiar. Por un lado, produces series de dibujos con temáticas y registros muy identificables. Por otro, todas esas series respiran una misma estética y, en cierto modo, una continuidad fácil de apreciar. ¿Te sientes cómodo con esta forma de trabajar?
Me siento comodísimo. Creo que la idea surgió a partir de mi amor por la obra de Juan Ramón Jiménez, que entendía su obra como una totalidad, revisaba sus libros y los ampliaba de forma inagotable. Creo que mi trabajo de estos años es eso, una totalidad. Son series, pero si las uniera en un libro, serían todo uno. Además, reflejan la evolución de mi dibujo en estos dos últimos años. Se diluyen las líneas, aparecen más sombras, las figuras casi desaparecen. Y me gusta encontrar esa idea en los autores que leo, como Charles Simic o Paul Celan, que practican ese despojamiento a través del lenguaje. En mi caso, estoy limpiando y limpiando y quizás un día la imagen desaparezca por completo. Por ahora se ve algo, pero fíjate por ejemplo en mi Apostolado tímido. Es casi ya nada, se aprecian los ojos y alguna sombra. Es la esencia. Pura esencia. No hace falta nada más, y ahí permanece.
 
Aunque el dibujo es un lenguaje que está en el origen de las artes plásticas, desde hace unos años ha vivido un retorno como disciplina propia. No es azaroso ver en este fenómeno una reivindicación de lo mínimo y lo personal, una respuesta introspectiva a la grandilocuencia del arte-espectáculo y los grandes formatos del arte contemporáneo.
Creo que es algo derivado de la propia crisis económica, moral y espiritual. El dibujo ha surgido en esos momentos como respuesta a esas instalaciones gigantescas, a esa pintura monumental. El dibujo es una cosa muy directa. Para mí, dibujar es como escribir poesía. Es casi una respuesta política.
 
Es cierto que hay algo político en el hecho de subrayar la dimensión física de la pieza, el esfuerzo técnico que exige y que en tu caso es una clase de artesanía propia de un miniaturista o un maestro antiguo. Y también es político el hecho de proponer un lenguaje figurativo, accesible en términos iconográficos.
Claro, porque una persona no estudiada o no leída puede llegar a acceder a esa pieza y a apreciarla si se le muestra desde un punto de vista determinado. Eso me interesa muchísimo. El dibujo es el resultado de un momento íntimo, como escribir poesía o componer música. Creo que es un momento maravilloso y una respuesta moral a todo ese mundo en el que parece que sin 100.000 euros no se puede producir nada. Luego también tiene un aspecto práctico. Cada vez vivimos en sitios más pequeños. Cada vez nos cambiamos más de casa. Requerimos objetos ágiles, y no hablo solo del artista, sino también del coleccionista. Por otro lado,  también implica abrir el campo a un coleccionismo muchísimo más amplio. Poca gente puede pagar hoy 2.000 o 3.000 euros por una pieza, pero hay muchas personas que pueden permitirse un dibujo de 150 euros. Eso es importante, porque permite llegar hasta otros públicos que hasta ahora habían sido excluidos del mercado del arte.
 
¿Cómo llegaste al dibujo? ¿Siempre estuvo ahí?
Estuvo ahí desde el inicio, tal vez porque mi madre era ilustradora. Al principio mi estilo era más expresionista e ingenuo. Luego he ido evolucionando hacia un tipo de realismo peculiar, porque el retrato realista como tal no me interesa. Hubo una época en que experimenté con collage, instalación, escultura… pero siempre estaba el dibujo de fondo, y al final me he despojado de todo lo que no me interesaba. 
 
¿Qué tipo de artista querías ser al inicio de tu carrera? ¿Quiénes eran o son tus modelos?
Siempre me han gustado los artistas un poco raros. El artista famoso o establecido, de renombre, nunca me ha interesado mucho, aunque por supuesto me encanta ir al Prado, estudiarlos y verlos. Pero siempre me he sentido más cerca de artistas como Pierre Klossowski, filósofo y dibujante, o Otto Meyer Amden, ese dibujante suizo tan extraño que murió muy joven, cuya obra es una maravilla aunque pocos la conozcan. Entrando en un terreno más outsider o marginal, Henry Darger, aunque eso no implica que quiera acabar loco. Sin embargo, sí entiendo el dibujo como terapia. Si no pudiera dibujar estaría en la cárcel o robando bancos, aunque quizás me hubiera ido mejor
 
Otro rasgo interesante en tu trayectoria es que eres muy prolífico, y no temes mostrarlo. Dibujas mucho, produces muchas obras, las expones y las vendes con rapidez. Muchos artistas se dosifican por motivos estratégicos. Tú no.
En absoluto. Lo mío es dibujar, dibujar y dibujar. Mostrarlo. Si a alguien le interesa, lo vendo. Me encanta ese trato directo y es algo que nos han dado las redes sociales. El otro día estaba en la cama metido en la cama a la una de la mañana y de repente me llega un mensaje de un chico de Nueva York que había descubierto mi trabajo y me preguntaba si tenía algo disponible. Le envié fotos de los dibujos que tenía, eligió uno, me lo pagó por Paypal y al día siguiente el dibujo ya estaba camino de Estados Unidos.  Es increíble. Creo que me di cuenta de que las cosas estaban cambiando cuando hice un proyecto que se llamaba Lost Boys. Consistía en hacer dibujos de chicos con un hilito rojo. Los iba pegando por Nueva York, por farolas, escaparates, en la calle. Cada dibujo tenía una inscripción con las palabras “Adopt me”, un número y mi dirección de email. Empecé a recibir mensajes. No hizo falta explicar nada más. Me mandaban fotos. Me hizo ver que estaban cambiando las relaciones con el comprador o el coleccionista. Lo que estaba pensando es que el mediador estaba desapareciendo y cambiando. Ahora no sé a dónde va a llegar esta revolución, pero es un cambio radical en el mundo del arte.
 
¿Y este cambio no te asusta?
También tengo la experiencia de quince años trabajando en una galería. Sé cómo manejar ese tipo de cosas. No es que sea un gran vendedor de mi obra, pero ahora mismo no me puedo quejar. Contacto con gente con quien tengo afinidad. Eso lo hace todo más fácil.
 
¿Y quiénes son tus personajes, esos chicos melancólicos que adoptan identidades o roles en cada una de tus series?
A veces son reales y a veces son inventados. Me puedo inspirar en fotos de redes sociales pero cada vez son más personas reales, y eso se nota a la hora de dibujarlos. Me fijo en algo que ellos mismos no saben qué tienen. Son retratos llevados a mi terreno. Es poesía.
 
¿Y por qué siempre el rostro?
Porque es infinito. No hay un rostro igual a otro. Un ojo no es igual a otro, incluso en una sola persona. No somos simétricos. El rostro es matemática y poesía. Y tiene expresión: una mirada o un gesto pueden decir más que toda una escenificación.

Marta Pérez Ibáñez también forma parte de nuestro elenco de profesionales que formarán el Comité Artístico Asesor de la tercera edición de Art & Breakfast.

Esta consultora de arte y profesora de Mercado del Arte en la Universidad Antonio de Nebrija intervendrá con nosotros en la selección de los participantes y la asesoría de sus propuestas, con el fin de que la calidad de nuestro evento sea la mejor.

Además, tendremos la suerte de que, junto a Isidro López-Aparicio, Marta presentará su libro “La Actividad Económica de los/las Artistas en España” en el Centre Pompidou de Málaga, como parte de las actividades de nuestra Feria.​

José Antonio Mondragón
Director de Art & Breakfast

​Como miembro del comité artístico de Art & Breakfast, ¿qué esperas encontrar en esta edición de la feria? 
En la línea de las dos ediciones anteriores, que he seguido con mucho interés, espero volver a encontrar la frescura, la novedad de estilos y propuestas que caracterizan una feria joven pero ya asentada como es Art & Breakfast. Tanto la selección de galerías, artistas y obras, incluyendo espacios alternativos y galerías online, como las actividades programadas en el marco de la feria, prometen ser muy interesantes.
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En tu libro La actividad económica de los/las artistas en España sostienes que los artistas jóvenes se encuentran con una serie de obstáculos para entrar en el mercado. ¿En qué radican estas dificultades?
El retroceso que el mercado español del arte sufrió a raíz del inicio de la crisis en 2008, el cierre de numerosas galerías y los nuevos modelos de negocio que desarrollan las galerías que está abriendo en los últimos años, hacen en ocasiones difícil el acceso de los artistas al mercado. Por ello, muchos han empezado a desarrollar estrategias novedosas que caracterizan de alguna manera al artista del siglo XXI.
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¿Hay diferencias evidentes entre las experiencias/dificultades de las mujeres artistas en comparación con las de los hombres?
En nuestro estudio han participado ambos sexos de forma muy equilibrada, pero sí hay ciertas diferencias que nos han hecho reflexionar. El hecho de que los artistas con altos ingresos sean mayoritariamente hombres, y que las mujeres en general coticen menos años a la Seguridad Social, nos hablan de mayor precariedad entre las artistas españolas. 

¿Sigues pensando que “el nexo de unión que ha habido siempre entre el artista y las galerías no funciona como ha funcionado hasta ahora”? ¿Por qué? ¿En qué ha cambiado?
Considero que los cambios que, como digo, están marcando al mercado español en los últimos años, hacen que las relaciones entre galerías y artistas también evolucionen, no siempre de forma negativa, pero sí con diferencias notables. El vínculo entre artista y galería sigue siendo necesario y productivo, pero el artista mantiene ahora mayor libertad de acción que en décadas pasadas.

En tu opinión, ¿qué debe saber un artista sobre gestión cultural?
En cierto modo, el artista del siglo XXI es en sí mismo un gestor cultural, ya que autogestiona su carrera en muchos casos de forma independiente. Por ello, conocer bien el mercado y las herramientas de marketing suele ser útil para abrirse camino.

Hay quienes consideran que trabajar pensado en el mercado puede afectar a la calidad de la obra de un artista…
Por supuesto, cuando hablamos del artista damos por hecho que su perfil como tal está ya bien definido, tanto en lo personal como en el desarrollo de su obra, incluso cuando la evolución del artista sea constante y le acompañe durante toda su carrera. Pero en efecto, la exigencia en la calidad de la obra debe partir del propio artista, antes de buscar mercado para su obra.

Danos, por favor, tres claves que sirvan a un joven artista para entrar en el mercado. 
En primer lugar, hilvanando con la pregunta anterior, mucho trabajo y mucha autocrítica. Después, conocerse a fondo como artista y conocer bien sus propias capacidades, y definir su imagen de marca. Por último, como decía anteriormente, conocer el mercado, mantener los ojos y oídos abiertos, todos los canales de comunicación activos y participar en la vida artística que le rodea.

¿Espacios como Art & Breakfast facilitan el acceso al mercado de los jóvenes artistas?
Por supuesto, muchas jóvenes galerías se darán cita en la feria mostrando la obra de artistas noveles, que se darán a conocer no sólo ante los visitantes, sino ante el resto de galerías y artistas participantes. Así, la feria se convierte en un excepcional espacio para el networking artístico, una plataforma para descubrir nuevos nombres en el panorama, nombres que en los próximos años estarán ya situados en el mercado.

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Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, doctoranda por la Universidad de Granada. Cursos de doctorado con el Prof. Jonathan Brown en el Institute of Fine Arts, New York University. Diplomada en Arte de la Contrarreforma por la Universitá Italiana per Stranieri de Perugia, Italia. Formó parte del equipo de investigadores en arte español de la Frick Art Reference Library de Nueva York, EE.UU. Entre 1991 y 2008, dirigió la Galería Durán de Madrid y el Premio de Pintura Durán. Ha impartido clases magistrales y seminarios en el Máster de Museología de la Universidad Complutense de Madrid, el Instituto Superior de Arte, la Alliance Française, la Escuela de Negocios ESCP Europe, la Fundación Claves de Arte, el Instituto Nacional de la Administración Pública, etc. Actualmente, compagina la gestión cultural y artística con la docencia en la Universidad Nebrija y otras universidades e instituciones públicas y privadas. Es investigadora, autora habitual de artículos y ponencias, y Section Editor sobre mercado español de arte en la editorial alemana Walter De Gruyter.

Como miembro del comité artístico de Art & Breakfast, ¿qué esperas encontrar en esta edición de la feria?
Espero encontrar una feria dinámica en su conjunto, gracias a las propuestas propiamente de galerías que se concitan en el hotel, y a las numerosas actividades que se realizan en paralelo al programa comercial y en distintas sedes. Respecto a las propuestas galerístiscas, espero que conserven la cercanía que ha venido caracterizando a la feria. Es decir, ajenas a la pretenciosidad y que supongan otra buena oportunidad para acceder al arte joven y a proyectos específicos.
 
¿Qué opinión tienes de las dos primeras ediciones de Art & Breakfast?
Guardo de ellas un muy buen recuerdo y, por tanto, una buena opinión. Tras varios intentos frustrados de crear una feria de arte, Art & Breakfast ha venido a propiciarla. Que haya una tercera edición creo que habla, cuanto menos, de una aceptación del formato feria, absolutamente novedoso en una ciudad como Málaga. Desde mi punto de vista, y siempre hablando desde lo local y desde esa situación inédita, supone también la posibilidad de asumir rutinas y conocer situaciones distintas en torno a la creación artística contemporánea.
 
Esta no es la primera vez que colaboras con Factoría de Arte y Desarrollo.
Exactamente, colaboré con anterioridad, precisamente, en la primera edición de Art & Breakfast. Aquello fue un encuentro profesional, un encuentro entre distintos agentes y el público, en el que, de un modo cercano, se compartía nuestra experiencia y contestábamos todas las dudas y curiosidades que sobre nuestros oficios podían surgir. Esas situaciones son siempre provechosas; son oportunidades que permiten acercar la realidad de tu oficio, ayuda a despejar dudas y hasta desterrar algunos mitos.
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A partir de las críticas en Diario SUR y ABC Cultural has visibilizado a artistas y obras. ¿Cómo es este trabajo? ¿Hay suficientes espacios donde se aborden estos temas?
Es un trabajo apasionante que me ocupa ya 17 años y que, en parte, concentra buena parte de mi tiempo, ya que cada fin de semana publico para SUR y, en ocasiones, para ABC Cultural. Me obliga a ver bastantes exposiciones a la semana para poder discriminar y escribir de las que considero más pertinentes. En Málaga, de un tiempo a esta parte, la programación –digamos- institucional ha crecido, pero, en paralelo, han surgido nuevas iniciativas de distinta consideración (Casa Sostoa, Espacio Cienfuegos, festivales como el Moments, etc.), tanto como instituciones académicas que han generado nuevos espacios expositivos (Facultad de Bellas Artes, Escuela de Arte San Telmo, Alianza Francesa, etc.). En ese punto, es difícil poder atender a la amplitud de propuestas al margen de lo institucional, pero en parte ése ha de ser un objetivo del crítico, visibilizar aquello que pasa más inadvertido ante la potencia de las grandes propuestas. Por otro lado, considero que sí, que se le presta atención y hay espacios, aunque, por desgracia, en los últimos años hemos visto cómo han desaparecido publicaciones fundamentales desde las que se atendía a la creación contemporánea.
 
Háblanos sobre tu trabajo como profesor.
Actualmente imparto docencia en la Universidad de Málaga, en el Departamento de Historia del Arte. Este curso estoy especialmente contento con las asignaturas que imparto. Además de Historia de las ideas estéticas, doy por primera vez Poéticas del arte español de los siglos XX y XXI, en el Grado de Historia de Arte, e Historia del arte contemporáneo, en la Facultad de Bellas Artes. Respecto a Poéticas, he pretendido hacer de la lectura de crítica de arte en suplementos culturales un ejercicio rutinario, que nos sirve, en paralelo al temario, para acercarnos a exposiciones que introducen asuntos capitales; me parece, también, una manera orgánica de rastrear el escenario actual e ir destacando a algunos de los agentes más determinantes (artistas, críticos, comisarios, instituciones). Asimismo, he procurado que tuvieran un contacto normalizado con galeristas y artistas, algunos de los cuales hemos visitado en sus espacios de trabajo o nos han visitado en clase. Me interesaba también proyectar el relato historiográfico en función a actitudes y recursos, y no sólo cronológicamente, con lo que hemos ido abordando asuntos que se desarrollan de manera distinta a lo largo del tiempo (arte y política; performatividad, abstracción, pintura expandida en España, etc.).
 
Parece que tienes cierta preferencia por trabajar con jóvenes, ¿por qué?
Bueno, no sé si podríamos llamarlo preferencia. La formación y el desempeño académico, como doctor en Historia del Arte y profesor, me ha permitido, por fortuna, enfrentarme a proyectos eminentemente historiográficos, tanto expositivos como de investigación, en los que he abordado a artistas y colecciones del siglo XX. En cualquier caso, ese perfil de mi trabajo lo he compatibilizado con proyectos con creadores jóvenes. Me encanta compartir proyectos con ellos. Al final, el ejercicio de la crítica de arte te hace estar en contacto con ellos y establecer sinergias. Esa posibilidad de alternar trabajos de distinta naturaleza, históricos y actuales, la considero una suerte. Trabajar con artistas jóvenes te permite ver cómo crecen, es una continua puesta al día que te exige estar metafóricamente tonificado, y puedes aportar tu experiencia a personas que te consideran y que quieren aprender contigo y hacer de ti un interlocutor para su práctica. Esa comunicación es muy gratificante, cuestión que, generalmente, no se da en los proyectos de calado historiográfico.
 
¿Qué balance haces del arte emergente durante los últimos años? ¿Hay tendencias? ¿Nuevos conceptos?
Sí, indudablemente hay tendencias y conceptos que adquieren una pertinencia mayor que otros, que se convierten en asuntos-en-emergencia, termas que puedan ser considerados síntomas sociales. En ocasiones, desde mi perspectiva, estas tendencias pueden devenir modas, perdiéndose, o cuanto menos diluyéndose, parte de esa facultad de convertirse en espacios de interpelación y (auto)reconocimiento. Dicho esto, la pluralidad de voces, prácticas, comportamientos o disciplinas nos provee de un escenario ciertamente poliédrico.
En ocasiones, lo interesante o lo pertinente pasa a ser la manera de reformular asuntos eternos y técnicas con una larga tradición. Indudablemente, hay ámbitos que generan un interés especial en el que mira, en el que debe construir el/su relato; eso hace que revise la creación en pos de hallazgos concretos, casi que de un modo prospectivo. Por ejemplo, me viene interesando desde hace tiempo la posibilidad de la existencia, aún hoy, de una pintura de Historia. Esto me hace estar ojo avizor a las manifestaciones que me permitan definir cómo hoy los pintores siguen resistiendo y reformulando un género, adaptándolo a nuestro tiempo.
 
Háblanos de algún referente del arte emergente nacional que debamos conocer.
¡Uff! Es una pregunta que siempre me cuesta contestar, ya sea por reducir un escenario tan amplio a un par de nombres o por toparnos con la ambigüedad del término emergente, que no todos empleamos con el mismo sentido. Me interesa la obra de Nacho Martín Silva, Nico Munuera, José Medina Galeote, Regina de Miguel, Jacobo Castellano, Pere Llobera, Françoise Vanneraud, Sergio Porlán o David Escalona, entre otros, si bien, me temo, que son artistas más próximos a la consideración de “artistas de media carrera”. Te señalaría, entonces, el trabajo de otros que tienen un desarrollo más reciente, como Fito Conesa, Leonor Serrano Rivas, Moreno & Grau, Alegría y Piñero o Raúl Domínguez.

¿Te apasiona la gestión cultural? ¿Te gustaría trabajar codo con codo durante un fin de semana con galeristas, comisarios, artistas y otros profesionales del arte emergente?
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Si la respuesta es afirmativa y eres mayor de edad, Art & Breakfast es tu sitio. Estamos buscando a personas activas, con iniciativa, entusiasmo y ganas de aprender para formar parte de nuestro equipo de voluntarios. Podrás realizar, entre otros, tareas de atención al público controlando los accesos y realizando visitas guiadas, colaborar con los expositores o ayudar en la organización de otras actividades. Además, recibirás un certificado de participación, dos invitaciones para la Feria y un 20% de descuento en cualquiera de los programas formativos que promueve Factoría de Arte y Desarrollo.

​Nuestros voluntarios son imprescindibles para que cada año Art&Breakfast sea un éxito. Súmate a nuestro equipo, ¡te estamos esperando!