Eres la primera mujer artista invitada en nuestra feria y no nos cabe duda de que dejarás el pabellón muy alto. ¿Cómo recibiste la invitación para participar en Art & Breakfast /4?
 
Para mí estaba claro que este año tenía que ser una mujer la artista invitada para Art&Breakfast, ya iban tres ediciones y no habían contado con ninguna artista, así que tocaba, sí o sí. Lo que no sabía es que me iba a tocar a mí abrir esta puerta, por lo que el orgullo es doble. Espero que el año que viene también sea otra mujer la artista invitada y el siguiente otra, pues nuestro trabajo es tan válido y potente como el de nuestros compañeros y estamos aquí, igual que ellos. Pero si no nos llaman, nos ponen frente al público y nos visibilizan, da igual que nuestro trabajo sea fantástico, maravilloso y que curremos como obsesas porque si no nos ven, no existimos.
 
¿Puedes avanzarnos algún detalle de la propuesta con la que nos sorprenderás en la feria?
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No, hay que mantener la intriga hasta el final. Como en los buenos thrillers. Pero os diré que está muy en la línea de mis últimas propuestas WOMAN POWER TOTAL.
 
2018 parece un año importante en tu carrera y tu performance 'I am a woman' tuvo una acogida excepcional este año en ARCO. ¿Estás satisfecha con el resultado?
 
Estoy súper contenta de que muchas mujeres profesionales del mundo del arte quisieran sumarse a esta acción, tan NECESARIA a día de hoy en nuestro sector en particular y en la sociedad en general. En una feria de arte como la de ARCO en la que solo un 5 % de mujeres españolas estamos presentes, es inevitable que cuando llegas quieres hacer algo, cambiar las cosas, poner un punto de atención sobre un hecho concreto. El arte tiene que ser punta de lanza y los artistas tenemos que ser seres incómodos e inconformistas que trabajen por un mundo mejor, o por lo menos intentarlo. No podía pasar sin hacer ruido y había que aprovechar la visibilidad que me ofrecía la Fundación Rafael Botí y nos decidimos por organizar una acción colectiva. Somos muchísimas artistas, galeristas y gestoras culturales las que seguimos batallando para que se nos trate con el respeto que merecemos. Te das cuenta cuando vives ARCO, desde dentro, que la magia solo ocurre si tú formas parte de ella, si estás presente.
 
Recientemente has reivindicado el papel de la mujer en la sociedad y la cultura en las calles de Torremolinos gracias a las Becas de Residencia y Producción Artística EmergenT. ¿Cómo ha sido la experiencia?

Ha sido genial en muchos sentidos. Uno por tener la oportunidad de conocer a artistas tan maravillosos como con los que compartido este mes y haber disfrutado de un director de orquesta tan profesional como Fernando Bayona; y dos porque poder sacar el arte a la calle es genial: ocupar los mupis de las paradas de autobuses con mujeres reales y hablando de problemas reales, ha sido todo un sueño. Han sido ellas las verdaderas protagonistas, mujeres que tienen algo que contar, que con sus propios cuerpos nos describen una realidad y que con ese cartel que portan diciendo por ejemplo YO SOY TRANS nos visibilizan una dura lucha, pero hoy están sonriendo y mirándonos de frente, directamente a los ojos.
 
Me encantan los proyectos colectivos y tener esa excusa para sentarme a tomar un café con una desconocida con la que tengo demasiadas cosas en común, o poder compartir un vaso de vino a la mesa con artistas a las que admiro y que gracias a proyectos como “La última cena” puedo llamarlas por teléfono con un pretexto perfecto para compartir un rato de nuestras vidas.
 
Realmente siempre me ha interesado que el arte tome las calles y creo que intervenir una valla publicitaria en color rosa en el que se lea bien grande I AM A WOMAN es todo un triunfo y sacarla del espacio para el que fue concebida, que es un museo, es muy gratificante.
 
A menudo plasmas en tus obras tu relación con tus hijas pero últimamente también con tu madre. ¿Qué opina ella de tu trabajo? ¿Realmente le gusta el arte contemporáneo como dice tu reggaeton?
 
Como la buena madre que es no le queda otra. Creo que es lo que intentamos todas las madres y padres, apoyar a nuestras hijas, decirles que estamos aquí, que cuenten con nosotras, que vean que nuestra mano siempre estará ahí para levantarlas o para sujetarlas como hace mi madre en mi última obra “LA PIEDAD DE MI MADRE”. Ellos (mi padre y mi madre) se enorgullecen de mis éxitos, aunque a veces no entiendan muy bien el por qué. Pero si hay que bailar se baila y si hay que sujetarme, me sujeta. Un resumen perfecto de una vida maravillosa, aunque si le preguntas a mi madre te diré que siempre hago lo contrario de lo que me ha dicho y que al final consigo salirme con la mía ;) 
 
En este sentido, ¿crees que son las mujeres las que transmiten la historia familiar?
 
De eso no estoy segura, hay grandes cuenta cuentos hombres ;) No creo que sea una cosa de mujeres o de hombres sino de personas. En mi familia había, y hay, grandes hombres con los que sentarte a que te contasen cómo se vivió la guerra o cuántas penurias pasaron cuando eran pequeños. Así que creo que no, sino nosotras estaríamos mucho más presentes en los libros de historia.
 
Tu obra siempre ha tenido un claro discurso feminista. ¿Cómo crees que serán los próximos años para las mujeres artistas? ¿Realmente está habiendo cambios?
 
Creo que este año se están produciendo muchos cambios necesarios, se ha abierto la Caja de Pandora y una vez abierta ya sabemos que es imposible cerrarla.  De lo que sí estoy segura es de que si existiese una ley de igualdad real de obligatorio cumplimiento, las cosas serían diferentes.  Hay muchos cambios que tienen todavía que ocurrir, pero estamos trabajando para que las mujeres del futuro tengan el trabajo mucho más fácil de lo que lo hemos tenido nosotras.
 
Buscas acercar el arte al público no especializado. ¿Cuál crees que es la clave para conseguirlo?
 
Salir a buscarlos, plantarte frente a ellos, dejarte observar e interactuar. Por eso me gusta tanto la performance porque no necesita de una pared limpia en un museo bien iluminado, sino que sirve para la calle, el asfalto, el campo o la playa; lugares fuera del circuito profesional del arte.
 
Por eso me gustan tanto los proyectos colaborativos usando las redes sociales, porque incluyes a personas que se interesan directamente con el proyecto sean o no artistas, captando su atención.
 
Aunque creo que la labor de acercar el arte a la sociedad debería comenzar en las escuelas, mis hijas solo tienen una hora de plástica y otra de educación musical a la semana. El arte es mucho más que saber pintar, es comprender la infinita complejidad de los pensamientos dentro de una sociedad libre. En casa, mis hijas,  no van a tener esa carencia, pero muchos otros compañeros sí.
 
¿Qué opinas de la explosión cultural que ha experimentado Málaga en los últimos años?
 
Es cierto, es una explosión en toda regla, pero con un doble filo: realmente disfrutamos de una oferta cultural brutal, pero en la que no existe un tejido real para que nuestros jóvenes artistas se sigan desarrollando, más allá de exponer en los pocos espacios expositivos de interés. Creo que Pedro Alarcón tiene muy claro este trabajo y programa dentro de su propio espacio a los artistas que realmente les gustaría ver en esos grandes museos de nuestra ciudad. Los museos abiertos están dirigidos a un consumo de arte que viene de fuera y que no se genera ni nutre al sector artístico local y de cercanía. Y lo poco que se hace en este sentido está en entredicho por mala praxis.
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Eres una artista consolidada con una trayectoria que lo avala. ¿Cuál es el futuro de Verónica Ruth Frías? ¿Puedes adelantarnos algunos de tus próximos proyectos?
 
Este año estoy muy centrada en seguir desarrollando el proyecto PINK POWER,  en conseguir buscarle los tres pies al gato;  en intentar consolidarlo como un movimiento social y por qué no, político. Junto a esto ando reparando una pieza basada en el famoso documental de Tracey Emin. Además de tener en mente millones de proyectos, solo me falta el tiempo para poder llevarlos todos tan buen término como se merecen.
 
Creo que desde que tuve a mis hijas mi trabajo se ha centrado más en el género, pues viví a lo largo de mi vida muchas desigualdades y continúo viendo que éstas siguen vigentes y que a mis hijas, por desgracia, les revolotean como una afilada cuchilla. Yo quiero que ellas sean mujeres que tengan las herramientas suficientes que a mí no me dieron para enfrentarse a un mundo que debe de seguir trabajando por una igualdad real y dejemos de usar y de escuchar frases tan poco acertadas, ni ciertas, como: “Solo seleccionamos piezas por su calidad no por el género”.
 
Si os habéis quedado con ganas de saber más, aquí os dejamos la web de nuestra protagonista. ¡Disfrutad!

¿Te han hablado de Art&Breakfast pero aún no te has decidido a dar el paso? A continuación te presentamos las ventajas que recibirás por nuestros expositores que te ayudarán a tomar la decisión. ¡Pasarás un fin de semana de lujo en Málaga!

Si participas como expositor con nosotros, obtendrás el respaldo de una entidad gestora -Factoría de Arte y Desarrollo- de prestigio y con sobrada experiencia en la organización de eventos de gran impacto en el entorno de cultura. 
 
Art&Breakfast /4 se celebrará como cada año en el Room Mate Larios, un hotel emblemático en el corazón de la ciudad, que no sólo funcionará como zona expositiva, sino también como lugar de generación de redes y sinergias.
 
Como ya anunciamos anteriormente, ofrecemos transporte a precios exclusivos a todos nuestros participantes de modo que si te decides a venir a Málaga recibirás un 30 % de descuento en AVE y un 10% de descuento en IBERIA.

​¡Hola a todos! Inauguramos el mes de abril con buenas noticias: un año más hemos firmado un acuerdo de colaboración con ARTEINFORMADO, el portal líder de arte contemporáneo iberoamericano cuya base de datos reúne a más de 40.000 artistas, galerías de arte y museos de todo el mundo, así como a comisarios, coleccionistas, gestores culturales…

Como artista o galería participante en Art&Breakfast /4 podrás publicar de forma gratuita hasta 15 obras en el microsite sobre la Feria que se creará en la GALERÍA DE OBRA de ARTEINFORMADO. De este modo, podrás dar a conocer previamente algunas de las piezas que presentarás en Málaga. Este microsite se mantendrá hasta el 30 de junio de 2018, fecha a partir de la que permanecerán de forma indefinida cinco obras de cada participante.

​Sabemos que para muchos de vosotros supone un esfuerzo económico viajar para presentar vuestro trabajo en otras ciudades o países. No obstante, para un artista es esencial darse a conocer en otros puntos geográficos, así que queremos ofreceros las mejores ventajas para que el viaje a Málaga os salga lo más barato posible.

Así, junto al 30 % de descuento para vuestros billetes de AVE, también hemos cerrado un acuerdo con IBERIA para viajar a precios especiales.
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Al igual que en ediciones anteriores y fieles a nuestro deseo de que lleguéis cuanto antes a Art & Breakfast /4, hemos cerrado un acuerdo con Renfe que os permitirá venir a la Feria con un 30 % de descuento en vuestros billetes de AVE.

Este descuento es válido para todos los trayectos nacionales con destino y origen Málaga (Estación María Zambrano) desde el 6 al 12 de junio de 2018. Una vez estéis inscritos a la Feria, no tendréis más que solicitarnos el código y os lo enviaremos, acompañado de un tutorial para facilitaros la gestión.

Si preferís adquirir el billete en un punto de venta Renfe (estaciones y agencias de viajes), es necesario presentar la autorización de descuento que os facilitaremos por correo electrónico.
Debéis solicitarnos el código de descuento vía mail (comunicacion@art-breakfast.com).
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¡Muy pronto os anunciaremos nuevas ventajas para nuestros participantes! Estad atentos a la llamada…

Arrancamos la cuarta edición de esta materialización de nuestra locura por el arte, la cultura, y las redes que lo hacen posible.
 
Art & Breakfast /4 será durante los días 8, 9 y 10 de junio de 2018 la próxima cita del arte más nuevo en Málaga.
 
Una vez más, nuestro equipo está dispuesto a darlo todo y queremos que éste sea el año en el que puedan catalizar todas las mejoras que edición tras edición vamos apuntando como oportunidades de mejora.
 
Una cuarta edición que vestirá la ciudad de Málaga de las propuestas más atrevidas, sin olvidar por eso la calidad y la profesionalidad. Incluiremos, como siempre, nuestra ya tradicional programación paralela de eventos (performances, encuentros profesionales, workshops, formación…).
 
Todos y cada uno de vosotros formáis Art & Breakfast. Expositores, artistas, gestores culturales, comisarios, mayores y niños. Entre todos generamos este evento que completan los que vienen a vernos. ¡Que así sea entonces!
 
Esperamos las mejores propuestas –las vuestras-, porque sólo así conseguiremos la magia de cada año. Sólo así podremos hacer una Feria de calidad que supere a las anteriores. ¡Mejorando cada año!
 
Desde aquí os invitamos a esta fiesta del arte emergente, a esta celebración de la cultura y a este cúmulo de ilusiones que nos harán vivir un fin de semana distinto.
 
Una vez más, Art & Breakfast ya está aquí.
 
José Antonio Mondragón
Director de Art & Breakfast

Tic, tac, tic, tac… ¡¡Comienza la cuenta atrás!! Tenemos ganas de Feria y tenemos ganas de verte allí. Queremos que vengas a conocer las propuestas artísticas de nuestros participantes pero también nos gustaría hacerte partícipe de Art&Breakfast. Aprender, debatir, intervenir, actuar…  Todo esto se resume en un nombre: Breakfast Meeting. 
Para desarrollar nuestra programación paralela salimos temporalmente de nuestro cuartel general, el hotel Room Mate Larios, y nos movemos por diferentes instituciones de la ciudad: el Museo Picasso Málaga, el Centre Pompidou, la Fundación Picasso - Museo Casa Natal, el Museo Carmen Thyssen, el Ateneo de Málaga, la Galería Matraca y el Museum Jorge Rando. En este último se celebrará precisamente una de nuestras actividades favoritas por estar protagonizada por los más pequeños de la casa.
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Quien conoce el patio del museo de El Molinillo sabe que es un espacio único. A la sombra de su mandarino centenario realizaremos el taller ‘Arte Jurásico’ en el que los niños aprenderán a fabricar sus propios dinosaurios de la mano del artista malagueño Carlos Alberto Domínguez, cuyo proyecto 'Descubriendo Gamusinos' fue galardonado en los Premios Extraordinarios de Artes Plásticas y Diseño correspondientes al curso 2015/16 que otorga la Consejería de Educación de la Junta de Andalucía.

Echa un vistazo a los trabajos de Carlos aquí. La inscripción cuesta tan sólo 5 euros y si quieres puedes quedarte con tus peques en el taller. 
A la mayoría de los niños les fascinan los dinosaurios pero si además los han fabricado ellos mismos, van a alucinar. ¡No te quedes sin plaza! Inscríbete aquí. ​

Como no hay dos sin tres, ya estamos calentando motores para reunir por tercer año consecutivo en el hotel Room Mate Larios a artistas, galeristas, gestores culturales y comisarios de todo el país. Esta edición llega cargada de novedades, la más importante es que Art&Breakfast se enmarcará en el Málaga Innovation Festival (MIF) que se celebrará paralelamente en el Palacio de Ferias y Congresos de la capital.

Este gran evento organizado por el Ayuntamiento de Málaga reunirá a más de 8.000 profesionales de todo el mundo, más de 400 inversores, 600 startups y 300 ponentes para promover la figura del business angel y mostrar el talento existente en el sur de Europa. Con Málaga como modelo de desarrollo y crecimiento sin precedentes, el MIF incluye mesas redondas, ponencias, networking, rondas de inversión, startups internacionales y actividades de ocio que girarán en torno al contenido digital, smart city, movilidad, gaming, innovación social, spinoffs y mucho más.

Junto a Art&Breakfast, el MIF engloba más de una treintena de encuentros y actividades promovidos por otras tantas entidades para poner en común el talento innovador con una red de agentes con una capacidad inversora global estimada de 500 millones de euros.

Porque más allá del aislamiento creativo, proceso que consideramos sagrado, es importante que los artistas sean capaces de integrar las nuevas tendencias tecnológicas y ampliar así las posibilidades de investigación en el ámbito artístico. Por todo ello, este año hemos organizado una serie de actividades en torno a la cultura innovadora y la aplicación de las nuevas tecnologías a la creación artística y la gestión cultural. Así, contaremos con la colaboración entre otros de IT Gallery, un software de gestión de colecciones de arte para galerías, museos y coleccionistas privados. Junto a esta eficaz herramienta, nuestros participantes de esta edición pueden exhibir sus obras en la galería virtual de ARTEINFORMADO, el portal líder de arte contemporáneo iberoamericano.

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FORMAS DE PERMANECER. Una conversación con Guillermo Martín Bermejo. Por Carlos Primo.

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Como pequeños espectros casi imperceptibles, los dibujos de Guillermo Martín Bermejo (Madrid, 1971) llevan años dando una réplica delicada y poética a la grandilocuencia de la escena artística. Tras un proceso de despojo que ha conducido a una gramática severa y ascética –papel, lápiz o grafito–, el último año ha estado marcado por la publicación de su primer libro –El viaje de invierno (Editorial Newcastle)– y la presentación en público de varias series de dibujos que ilustran una evolución a contracorriente, en busca de oxígeno y de silencios. Ahora hablamos con él sobre poesía, despojamiento, mística y coleccionismo. También sobre dibujo, claro.
 
En estos últimos años, tu trabajo ha evolucionado de una forma peculiar. Por un lado, produces series de dibujos con temáticas y registros muy identificables. Por otro, todas esas series respiran una misma estética y, en cierto modo, una continuidad fácil de apreciar. ¿Te sientes cómodo con esta forma de trabajar?
Me siento comodísimo. Creo que la idea surgió a partir de mi amor por la obra de Juan Ramón Jiménez, que entendía su obra como una totalidad, revisaba sus libros y los ampliaba de forma inagotable. Creo que mi trabajo de estos años es eso, una totalidad. Son series, pero si las uniera en un libro, serían todo uno. Además, reflejan la evolución de mi dibujo en estos dos últimos años. Se diluyen las líneas, aparecen más sombras, las figuras casi desaparecen. Y me gusta encontrar esa idea en los autores que leo, como Charles Simic o Paul Celan, que practican ese despojamiento a través del lenguaje. En mi caso, estoy limpiando y limpiando y quizás un día la imagen desaparezca por completo. Por ahora se ve algo, pero fíjate por ejemplo en mi Apostolado tímido. Es casi ya nada, se aprecian los ojos y alguna sombra. Es la esencia. Pura esencia. No hace falta nada más, y ahí permanece.
 
Aunque el dibujo es un lenguaje que está en el origen de las artes plásticas, desde hace unos años ha vivido un retorno como disciplina propia. No es azaroso ver en este fenómeno una reivindicación de lo mínimo y lo personal, una respuesta introspectiva a la grandilocuencia del arte-espectáculo y los grandes formatos del arte contemporáneo.
Creo que es algo derivado de la propia crisis económica, moral y espiritual. El dibujo ha surgido en esos momentos como respuesta a esas instalaciones gigantescas, a esa pintura monumental. El dibujo es una cosa muy directa. Para mí, dibujar es como escribir poesía. Es casi una respuesta política.
 
Es cierto que hay algo político en el hecho de subrayar la dimensión física de la pieza, el esfuerzo técnico que exige y que en tu caso es una clase de artesanía propia de un miniaturista o un maestro antiguo. Y también es político el hecho de proponer un lenguaje figurativo, accesible en términos iconográficos.
Claro, porque una persona no estudiada o no leída puede llegar a acceder a esa pieza y a apreciarla si se le muestra desde un punto de vista determinado. Eso me interesa muchísimo. El dibujo es el resultado de un momento íntimo, como escribir poesía o componer música. Creo que es un momento maravilloso y una respuesta moral a todo ese mundo en el que parece que sin 100.000 euros no se puede producir nada. Luego también tiene un aspecto práctico. Cada vez vivimos en sitios más pequeños. Cada vez nos cambiamos más de casa. Requerimos objetos ágiles, y no hablo solo del artista, sino también del coleccionista. Por otro lado,  también implica abrir el campo a un coleccionismo muchísimo más amplio. Poca gente puede pagar hoy 2.000 o 3.000 euros por una pieza, pero hay muchas personas que pueden permitirse un dibujo de 150 euros. Eso es importante, porque permite llegar hasta otros públicos que hasta ahora habían sido excluidos del mercado del arte.
 
¿Cómo llegaste al dibujo? ¿Siempre estuvo ahí?
Estuvo ahí desde el inicio, tal vez porque mi madre era ilustradora. Al principio mi estilo era más expresionista e ingenuo. Luego he ido evolucionando hacia un tipo de realismo peculiar, porque el retrato realista como tal no me interesa. Hubo una época en que experimenté con collage, instalación, escultura… pero siempre estaba el dibujo de fondo, y al final me he despojado de todo lo que no me interesaba. 
 
¿Qué tipo de artista querías ser al inicio de tu carrera? ¿Quiénes eran o son tus modelos?
Siempre me han gustado los artistas un poco raros. El artista famoso o establecido, de renombre, nunca me ha interesado mucho, aunque por supuesto me encanta ir al Prado, estudiarlos y verlos. Pero siempre me he sentido más cerca de artistas como Pierre Klossowski, filósofo y dibujante, o Otto Meyer Amden, ese dibujante suizo tan extraño que murió muy joven, cuya obra es una maravilla aunque pocos la conozcan. Entrando en un terreno más outsider o marginal, Henry Darger, aunque eso no implica que quiera acabar loco. Sin embargo, sí entiendo el dibujo como terapia. Si no pudiera dibujar estaría en la cárcel o robando bancos, aunque quizás me hubiera ido mejor
 
Otro rasgo interesante en tu trayectoria es que eres muy prolífico, y no temes mostrarlo. Dibujas mucho, produces muchas obras, las expones y las vendes con rapidez. Muchos artistas se dosifican por motivos estratégicos. Tú no.
En absoluto. Lo mío es dibujar, dibujar y dibujar. Mostrarlo. Si a alguien le interesa, lo vendo. Me encanta ese trato directo y es algo que nos han dado las redes sociales. El otro día estaba en la cama metido en la cama a la una de la mañana y de repente me llega un mensaje de un chico de Nueva York que había descubierto mi trabajo y me preguntaba si tenía algo disponible. Le envié fotos de los dibujos que tenía, eligió uno, me lo pagó por Paypal y al día siguiente el dibujo ya estaba camino de Estados Unidos.  Es increíble. Creo que me di cuenta de que las cosas estaban cambiando cuando hice un proyecto que se llamaba Lost Boys. Consistía en hacer dibujos de chicos con un hilito rojo. Los iba pegando por Nueva York, por farolas, escaparates, en la calle. Cada dibujo tenía una inscripción con las palabras “Adopt me”, un número y mi dirección de email. Empecé a recibir mensajes. No hizo falta explicar nada más. Me mandaban fotos. Me hizo ver que estaban cambiando las relaciones con el comprador o el coleccionista. Lo que estaba pensando es que el mediador estaba desapareciendo y cambiando. Ahora no sé a dónde va a llegar esta revolución, pero es un cambio radical en el mundo del arte.
 
¿Y este cambio no te asusta?
También tengo la experiencia de quince años trabajando en una galería. Sé cómo manejar ese tipo de cosas. No es que sea un gran vendedor de mi obra, pero ahora mismo no me puedo quejar. Contacto con gente con quien tengo afinidad. Eso lo hace todo más fácil.
 
¿Y quiénes son tus personajes, esos chicos melancólicos que adoptan identidades o roles en cada una de tus series?
A veces son reales y a veces son inventados. Me puedo inspirar en fotos de redes sociales pero cada vez son más personas reales, y eso se nota a la hora de dibujarlos. Me fijo en algo que ellos mismos no saben qué tienen. Son retratos llevados a mi terreno. Es poesía.
 
¿Y por qué siempre el rostro?
Porque es infinito. No hay un rostro igual a otro. Un ojo no es igual a otro, incluso en una sola persona. No somos simétricos. El rostro es matemática y poesía. Y tiene expresión: una mirada o un gesto pueden decir más que toda una escenificación.

Marta Pérez Ibáñez también forma parte de nuestro elenco de profesionales que formarán el Comité Artístico Asesor de la tercera edición de Art & Breakfast.

Esta consultora de arte y profesora de Mercado del Arte en la Universidad Antonio de Nebrija intervendrá con nosotros en la selección de los participantes y la asesoría de sus propuestas, con el fin de que la calidad de nuestro evento sea la mejor.

Además, tendremos la suerte de que, junto a Isidro López-Aparicio, Marta presentará su libro “La Actividad Económica de los/las Artistas en España” en el Centre Pompidou de Málaga, como parte de las actividades de nuestra Feria.​

José Antonio Mondragón
Director de Art & Breakfast

​Como miembro del comité artístico de Art & Breakfast, ¿qué esperas encontrar en esta edición de la feria? 
En la línea de las dos ediciones anteriores, que he seguido con mucho interés, espero volver a encontrar la frescura, la novedad de estilos y propuestas que caracterizan una feria joven pero ya asentada como es Art & Breakfast. Tanto la selección de galerías, artistas y obras, incluyendo espacios alternativos y galerías online, como las actividades programadas en el marco de la feria, prometen ser muy interesantes.
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En tu libro La actividad económica de los/las artistas en España sostienes que los artistas jóvenes se encuentran con una serie de obstáculos para entrar en el mercado. ¿En qué radican estas dificultades?
El retroceso que el mercado español del arte sufrió a raíz del inicio de la crisis en 2008, el cierre de numerosas galerías y los nuevos modelos de negocio que desarrollan las galerías que está abriendo en los últimos años, hacen en ocasiones difícil el acceso de los artistas al mercado. Por ello, muchos han empezado a desarrollar estrategias novedosas que caracterizan de alguna manera al artista del siglo XXI.
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¿Hay diferencias evidentes entre las experiencias/dificultades de las mujeres artistas en comparación con las de los hombres?
En nuestro estudio han participado ambos sexos de forma muy equilibrada, pero sí hay ciertas diferencias que nos han hecho reflexionar. El hecho de que los artistas con altos ingresos sean mayoritariamente hombres, y que las mujeres en general coticen menos años a la Seguridad Social, nos hablan de mayor precariedad entre las artistas españolas. 

¿Sigues pensando que “el nexo de unión que ha habido siempre entre el artista y las galerías no funciona como ha funcionado hasta ahora”? ¿Por qué? ¿En qué ha cambiado?
Considero que los cambios que, como digo, están marcando al mercado español en los últimos años, hacen que las relaciones entre galerías y artistas también evolucionen, no siempre de forma negativa, pero sí con diferencias notables. El vínculo entre artista y galería sigue siendo necesario y productivo, pero el artista mantiene ahora mayor libertad de acción que en décadas pasadas.

En tu opinión, ¿qué debe saber un artista sobre gestión cultural?
En cierto modo, el artista del siglo XXI es en sí mismo un gestor cultural, ya que autogestiona su carrera en muchos casos de forma independiente. Por ello, conocer bien el mercado y las herramientas de marketing suele ser útil para abrirse camino.

Hay quienes consideran que trabajar pensado en el mercado puede afectar a la calidad de la obra de un artista…
Por supuesto, cuando hablamos del artista damos por hecho que su perfil como tal está ya bien definido, tanto en lo personal como en el desarrollo de su obra, incluso cuando la evolución del artista sea constante y le acompañe durante toda su carrera. Pero en efecto, la exigencia en la calidad de la obra debe partir del propio artista, antes de buscar mercado para su obra.

Danos, por favor, tres claves que sirvan a un joven artista para entrar en el mercado. 
En primer lugar, hilvanando con la pregunta anterior, mucho trabajo y mucha autocrítica. Después, conocerse a fondo como artista y conocer bien sus propias capacidades, y definir su imagen de marca. Por último, como decía anteriormente, conocer el mercado, mantener los ojos y oídos abiertos, todos los canales de comunicación activos y participar en la vida artística que le rodea.

¿Espacios como Art & Breakfast facilitan el acceso al mercado de los jóvenes artistas?
Por supuesto, muchas jóvenes galerías se darán cita en la feria mostrando la obra de artistas noveles, que se darán a conocer no sólo ante los visitantes, sino ante el resto de galerías y artistas participantes. Así, la feria se convierte en un excepcional espacio para el networking artístico, una plataforma para descubrir nuevos nombres en el panorama, nombres que en los próximos años estarán ya situados en el mercado.

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Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, doctoranda por la Universidad de Granada. Cursos de doctorado con el Prof. Jonathan Brown en el Institute of Fine Arts, New York University. Diplomada en Arte de la Contrarreforma por la Universitá Italiana per Stranieri de Perugia, Italia. Formó parte del equipo de investigadores en arte español de la Frick Art Reference Library de Nueva York, EE.UU. Entre 1991 y 2008, dirigió la Galería Durán de Madrid y el Premio de Pintura Durán. Ha impartido clases magistrales y seminarios en el Máster de Museología de la Universidad Complutense de Madrid, el Instituto Superior de Arte, la Alliance Française, la Escuela de Negocios ESCP Europe, la Fundación Claves de Arte, el Instituto Nacional de la Administración Pública, etc. Actualmente, compagina la gestión cultural y artística con la docencia en la Universidad Nebrija y otras universidades e instituciones públicas y privadas. Es investigadora, autora habitual de artículos y ponencias, y Section Editor sobre mercado español de arte en la editorial alemana Walter De Gruyter.