Tu trabajo está muy relacionado con el arte urbano, ¿Dónde están los orígenes de tu obra, de donde nace, cuando fue el momento en qué decidiste que querías pintar y cómo?

En el 98 empecé a pintar, influido por lo que veía en las vías del tren cuando viajaba a Málaga, esa explosión de colores, despertó en mi algo más que curiosidad... me empecé a interesar por las raíces del movimiento, probar formas, colores, tipografías aún hoy sigo explorando e intentando reinventarme.

¿Crees que el graffiti está igualmente valorado por las instituciones que otras ramas de las artes plásticas?

Creo que actualmente hay una especie de moda y de expectación respecto a todo lo que rodea a este tipo de prácticas, solo el tiempo dirá si ese interés es creciente o se trata de algo pasajero de todos modos el graffiti es una de las ramas artísticas que mas rápido han evolucionado en los últimos años.

¿Has encontrado algún tipo de resistencia, al menos en tus orígenes, a la hora de acceder a ellas?

Al principio y ahora, mas que las instituciones las galerías a pesar de haber pintado en 2 museos  y de haber expuesto en algunas galerías mas que resistencia encuentro que no ofrecen la seriedad o necesaria hacia mi trabajo.

Muchas de tus piezas al realizarse en espacios públicos son accesibles, y de manera gratuita, para una gran mayoría de población, ¿qué opinas sobre esta forma de ver y compartir el arte?

Me parece una forma muy autentica de mostrar mi obra y de continuar con mi trabajo de una forma libre e independiente en contraste a cuando pinto en un Museo.

¿Cómo es tu proceso creativo, ha ido transformándose con los años o mantiene aspectos comunes?

Mi proceso varía si es en el espacio publico o un proyecto para una institución o si es una exposición privada.

Normalmente mi trabajo se basa en el espacio y la arquitectura del lugar, suelo ir a mirar antes el muro, tomar medidas, hacer fotos y luego en mi estudio empiezo a probar con unos bocetos exploratorios y pequeños apuntes para ir desarrollando un poco el trabajo, otras veces improviso un poco cuando veo un lugar que me llama la atención o me parece atractivo para intervenir.
Cuando preparo una exposición conservo el aspecto del espacio y suelo trabajar exprofesso desde el estudio donde intento recrear el espacio de la galería.

Mi proceso creativo ha cambiado mucho pero conserva como aspecto esencial el juego con el espacio como ya he comentado.

Has comenzado a experimentar con nuevas técnicas, qué fue lo que te impulso a probarlas y actualmente, ¿con qué forma de crear te sientes más cómodo?

Empecé a probar diferentes materiales y soportes, soy autodidacta en este sentido, así que no tenía prejuicios ante ninguna técnica e iba probando todo lo que caía en mis manos, desde cartón,papel,metal,madera hasta soportes mas habituales como el lienzo, depende del soporte suelo trabajar con acrílicos y spray tienen un secado bastante rápido y me agilizan mucho el trabajo, en esta ultima etapa que me muevo en un lenguaje mas abstracto, la inmediatez del acrílico o del spray es fundamental para el avance de la obra, digamos que suelo utilizar técnicas mas agresivas o de calle como tintas muy corrosivas pero en otro tipo de soportes.

A raíz de la pregunta anterior, ¿Has sentido algún tipo de resistencia con tu yo de los principios o con los propios graffiteros hoy en día?

Al principio si me preocupaba bastante por si podía realizar esto o lo otro y si me considerarían mas artista o mas escritor de graffiti, pero con los años me importa bastante poco las etiquetas, al final es pintura sin mas, independientemente de donde la realices, eso si, es muy curioso que en el mundo del graffiti me consideran artista y en el mundo del arte soy el graffitero así que a veces estoy un poco entre dos aguas.

¿Qué hizo que te desplazaras de tus obras el color y forma orgánicas, a una geométrica donde tienen mucha presencia el negro y el blanco?

Fue un cambio en mi vida bastante grande y necesitaba romper con todo lo que estaba haciendo, sentía que había acabo un ciclo y a pesar de que esas piezas con tanto color tenían mucha salida y eran muy demandadas preferí reinventarme, eso es algo que creo que los artistas de mi generación y los que provienen del Arte urbano no realizan a menudo, a modo de ejercicio se dedican a buscar la formula y luego la repiten una y otra vez...el uso del blanco y negro me parece bastante puro y un recurso muy potente, sobre todo cuando me interesan artistas que vienen del informalismo como el grupo el Paso o artistas cercanos al Tachismo como H.Hartung o P.Soulages...

¿De qué manera te pudo influenciar ganar el Premio de MálagaCrea en Artes Visuales el 2014?

La verdad que era la primera vez que me presentaba y quedé tercero, fue un escaparate exponer en el CAC y recibir el premio por parte del Ayto. de Málaga que meses antes me enjuiciaba por presuntamente graffiti ilegal...fue bastante curioso.

¿Qué sientes después de haber sido el primer artista en intervenir Colección del Museo Ruso de Málaga?

La verdad que era un Museo al que las veces que había ido me había sorprendido, la arquitectura y el espacio me gustaban, recuerdo que fui a ver una exposición de Kandinsky que me encantó así que cuando me eligieron dentro de las propuestas del MAF 2018 para intervenir el espacio fue una grata sorpresa, el trabajo que estoy desarrollando desde hace un tiempo tiene que ver mucho con las Vanguardias y los maestros Rusos, así que desde el minuto 1 hubo un feedback entre la entidad y yo bastante inspirador, que un Museo se abra a otras técnicas y a otros lenguajes como el Arte Urbano es bastante importante.

Además, durante el 2019 se podrá ver otra intervención tuya en las escaleras del Centre Pompidou ¿Cómo afrontas este tipo de proyectos?

Esta pregunta la respondí un poco mas arriba sobre todo con muchas visitas al centro y tomando fotos, en este caso era un reto porque el mural había que ejecutarlo en un día, era todo un reto y le tenía muchas ganas, al ser el primero en hacer los dos museos.

¿Crees que estos trabajos han modificado tu forma de crear o incluso los resultados?
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Totalmente siempre después de un proyecto de estas dimensiones y al pintar tanto espacio en tan poco tiempo tu forma de aplicar la pintura y la forma de trabajar así como el gesto cambian.

Ahora mismo que tu trabajo se expone en museos y galerías, sabes hacía donde quieres dirigirte como artista, ¿alguna meta o proyecto cercano del que nos puedas contar?

Bueno esto es una carrera de fondo, mi idea siempre ha sido simple, pintar, vivir de mi pintura y crecer como artista, ofrecer un trabajo serio y autentico, siempre evolucionando intentando no estancarme. Hay algún proyecto fuera de España que me hace especial ilusión, así que pronto sabremos mas.

¿Qué te impulsa a generar obras colaborativas como la que realizaste el año pasado en La Brecha?

Me parece muy interesante el feedback con la gente y crear sinergias a través de mi obra.

Si miras atrás y comparas al artista de graffiti que eras en los orígenes, con las piezas que produces ahora, ¿Crees que has experimentado una madurez creativa?

Sin lugar a dudas, creo que si, aunque todavía me queda para llegar a donde quiero.

Después de todo tu recorrido, ¿Te sigues sintiendo igual de representado por las ideas que te trasmitía el personaje de Donnie Darko cuando decidiste que te diera nombre?

Hace un tiempo estuve tentado a utilizar mi nombre real de hecho lo comentaba con algún amigo artista, pero me parece que ya no hay vuelta atrás...si el personaje de la peli es una especia de Anti-héroe, hay días en que todos nos sentimos así.

¿Qué es lo que esperas de tu trabajo, o aquello que quieres trasmitir o proponer a quien lo contempla?

Como hablábamos antes de la película, si hablo mucho de lo que quiero transmitir se pierde la magia. Cada persona siente mi obra de una forma diferente, energía, fuerza, control...

Con una palabra, ¿cómo defines tu obra?

Que sean dos..con fuerza.

​El segundo proyecto es “Cicerone’s Golf Suite”, del colectivo de artistas “Cicerone’s Golf Club”. Es una propuesta instalativa basada en la generación de narraciones espaciales a través de la experimentación de diversos medios- vídeo, animación, dibujo, o pintura-, cuya estructura se articula por medio de recursos literarios como la alegoría. 

​El tercer proyecto es “Jurassic Room”, que nace de la mano de dos comisarios y gestores culturales de Málaga. Sumergirse en “Jurassic Room” es bucear en la Historia del Arte, encontrar cimientos de la historia y la cultura del ser humano, y converturlas en un juego de niños, en un producto reproducido como si de una marca de muñecas se tratase, pero reinterpretado desde el principio.
 

El cuarto y último proyecto es “Little Cigarettes”, del colectivo del mismo nombre. En esta propuesta el objetivo es adecuarse al espacio del dormitorio del Hotel Alcazaba Premium Hostel de Málaga y ofrecer un recorrido visual por la habitación a través de las obras de los cuatro artistas emergentes.
 
Cada proyecto ocupará una habitación del Hotel Alcazaba Premium Hostel, así que, si eres joven y te gusta el arte emergente, no dudes en venir a apoyar a las futuras promesas del arte de nuestra ciudad.
 

Además, los tres seleccionados cerrarán esta quinta edición con un concierto el domingo 16 de junio, previo a la entrega de premios, con el guitarrista, compositor y cantante Fito Vergara. También, como parte del premio, recibirán 6 entradas de la feria que podrán compartir entre sus amigos y familiares.

Songs & Breakfast es un evento que pretende potenciar el uso creativo de la canción de autor en pos de valores culturales y sociales destacables y como contrapartida, da presencia y visibilidad a los artistas.

Para participar sólo tienes que seguir las instrucciones del evento en nuestra web, completar el formulario y adjuntar un link de YouTube o Vimeo. Todas las propuestas se compartirán en nuestras rrss y los ganadores se seleccionarán a partir de un proceso de votos a través de ‘likes’.

¡Tienes hasta el día 12 de junio para participar, date prisa y aprovecha esta oportunidad única!
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¡Cantautores, os esperamos en Art & Breakfast / 5!

El artista, que empezó su trayectoria en 2005, lucha cada día para que el papel de la performance en los espacios museísticos tenga más importancia de la que se le da, en un mundo donde lo efímero no encaja con facilidad.
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Con las cuerdas como principal seña de identidad, y otros elementos característicos de su trabajo como los sacos de tela a modo de capucha, Marc expone a personas desnudas carentes de identidad propia, de individualismo, desapegándose de lo material y dejando espacio a lo espiritual.

Marc utiliza el arte como herramienta política y social, ayudando a visibilizar varios problemas. Este año tendremos la suerte de verlo en acción, pero también ocupando una de las habitaciones del Alcazaba Premium Hostel, dando espacio al arte más reflexivo y personal sin etiquetas.

El último proyecto de Montijano,’Wellcome to Paradise’, recientemente presentado en las costas de Cádiz, y en palabras de su autor “Pretendo captar la esencia de nuestra sociedad a través de mis obras. Me interesa el arte ligado a la vida, que palpita. Para mí el arte no es un divertimento, es una potente herramienta social. Desde hace varios meses estoy trabajando sobre la inmigración. Investigo sobre las oleadas de migraciones forzadas que tienen lugar por las duras circunstancias económicas, sociales y políticas que sufren millones de personas en todo el mundo”. 

`Wellcome to Paradise’ supone un exhaustivo trabajo de investigación sobre la realidad de aquellos que ponen en riesgo sus vidas en la búsqueda de un lugar más justo en el que vivir, con a menudo, finales dramáticos.

Marc Montijano, que ha estado presente en otras ediciones de nuestra feria, se presenta en esta ocasión en el privilegiado lugar del artista invitado. Un verdadero placer para nosotros y, con seguridad para todos los que visitéis Art & Breakfast.
 
Si quieres saber más sobre el artista y su proceso creativo, no dejes de leer la entrevista que Corina le ha hecho para nuestro blog de noticias y que también incluye en sel blog de su proyecto  franquearte, uno de nuestros media partners en esta edición de Art & Breakfast.  

Artista, investigador, filosofo, doctor… ¿Quién es Marc Montijano hoy?
Básicamente soy un artista que va plasmando en su trabajo un camino de investigación personal, que tiene mucho de filosófico, de religioso, de espiritual... Sumo facetas, porque con los años voy avanzando, profundizando. Pero no es un relato artístico, no es una ficción, es mi vida real. Un viaje iniciático en proceso, un camino de evolución personal que voy narrando poco a poco en mi trabajo.
 
Al apreciar tu obra pictórica entre el 2003 y el 2005, he notado un detalle curioso y es la ausencia de la mirada, a excepción de “Al final te amare con todas mis fuerzas” del 2005. ¿Qué me puedes contar sobre esta ausencia de la mirada?
En todo mi trabajo intento bucear en mi interior, miro y escarbo dentro de mí. Entendiendo por otra parte, que cuando uno se sumerge en su interior realmente no está dentro de sí mismo, si no en un espacio común. En concreto en esa serie que llamé Retratos del alma, retrataba ese interior, la mirada era interna, intentaba retratar el alma de nuestra sociedad.
 
¿Cuál es la posición de la performance como obra de arte efímera dentro de los espacios museísticos?
Por desgracia la performance tiene demasiadas veces un papel residual. En muchos museos, es una actividad más dentro de una programación “menor”.  Yo intento, en la medida de mis posibilidades, forzar que le den la importancia que tiene. Por eso a mí no me gustan especialmente los ciclos, festivales o eventos artísticos en los que se hace una performance detrás de otra, de forma atropellada. Es un trabajo serio que merece su tiempo, su espacio y también un respeto.
La performance es simplemente un medio que emplea un artista para expresarse, como cualquier otro. Pero es una batalla complicada, vivimos en un mundo muy materialista y algo efímero encaja con dificultad en él.
 
Hablemos acerca de la simbología de los materiales que más sueles utilizar en tus acciones (cuerdas, sacos, modelos desnudos), ¿Por qué estos materiales, de donde surgen?
Esto es largo de explicar, pero de un modo rápido y muy resumido, la cuerda y los sacos provienen de mi obra pictórica y, en un momento dado, dan el salto de la pintura a la acción.
Las cuerdas se han convertido en mi principal seña de identidad, es un elemento determinante en toda mi obra. En mis performances los personajes están rodeados de ellas. Las cuerdas representan el capullo, envoltorio o caparazón en el que germinan y la muda de la que se desprenden cuando despiertan a la nueva vida. Todas esas cosas de las que nos debemos ir librando para poder evolucionar.
El saco es otro de los elementos que más caracteriza y distingue a mi trabajo. Durante toda la performance los modelos llevan el rostro cubierto con un saco de tela a modo de capucha. Busco el anonimato, quiero que desaparezca cualquier rastro de lo individual y concreto, porque no hablo de una persona, hablo del ser humano en su conjunto, el mensaje que quiero trasmitir es universal. El saco nos hace iguales.
Por último, el desnudo. Los personajes en estado de metamorfosis van completamente desnudos, ese es uno de los componentes que primero salta a la vista al enfrentarte a mi trabajo. La desnudez la empleo para simbolizar el nacimiento y el desapego a lo material. Muestro la parte pura y espiritual del ser humano. Por encima de todo, pretendo desnudar la verdadera naturaleza humana, que está en el interior.
 
¿De qué trata el “juego del arte” que mencionas en tu trabajo con Eugenio Chicano en el 2003?
Es una vivencia que me marcó al comenzar a moverme en el mundo artístico. Eugenio Chicano era un pintor mayor con el que trabajé varios años recién terminada la carrera, catalogando su obra y su colección. Era un hombre con un notable éxito local, que se desenvolvía muy bien en el ambiente elitista de la cultura. Con él me di cuenta que el éxito no sólo tenía que ver con el talento artístico, a veces no tenía nada que ver. Observándole, aprendí mucho de la otra faceta menos inocente del arte.
En un mundo ideal el arte debería ser sólo arte, sin nada más, pero el ser humano es corrupto, egoísta y tiende a satisfacer su interés personal. El mundo de la cultura no es una excepción, no triunfan los mejores, no es un mundo justo. La mayoría de las personas que ostentan el poder no lo ejercen siempre de forma imparcial. Tienen sus amigos y sus enemigos, tienen sus debilidades, sus presiones, sus intereses. Cualquiera que se dedique al mundo del arte tiene que tener presente esto y no desmoralizarse. Hay que asumir que si vas por el camino recto, como es mi caso, muchas veces te toca perder.
 
Arte de Acción como herramienta política, en tu experiencia: ¿Cuánto poder o influencia pueden llegar a provocar una acción?
Creo en el arte como una potente herramienta política y social, ayuda a dar visibilidad a diferentes problemas, a ponerlos en la palestra, que los medios y a través de ellos la sociedad les preste atención. Pero no soy ingenuo, realmente el poder de la cultura es el que es, una acción puede ayudar a visibilizar un problema, no solucionarlo. No soy activista, intento ayudar pero siendo consciente de las limitaciones que tiene el arte.
Mi papel es reflexivo y de altavoz, el arte puede generar ideas, poner el foco en algo, molestar, hacer ruido y dejar constancia de una realidad. Alguien que verdaderamente quiera cambiar el mundo, mejor que se dedique a la política y batalle desde el poder real. Aún así, creo en un arte que pueda construir una realidad mejor. Para mí el arte no es un divertimento y tengo la esperanza que puede cambiar algo dando voz y sembrando ideas. Cualquier esfuerzo en la dirección correcta ayuda a inclinar la balanza.
 
Siguiendo esta misma línea, ¿Conclusiones sobre tu última acción “La Cruz de Trafalgar”?
La cruz de trafalgar fue una acción muy potente, para hablar de una realidad terrible que por reiterativa ya nos da igual. La acción consistió en construir una cruz en forma de aspa, de más de cuatro metros, elaborada con restos de pateras naufragadas, encontradas en ese momento en la playa.
Forma parte de un proyecto que está abierto todavía, en su primera fase de desarrollo, en el que trabajo sobre las migraciones forzadas. Se trata de un trabajo fruto de una vivencia, una inmersión a lo largo del tiempo, madurado y repensado para poder transmitir y visibilizar esta grave situación.
 
Sobre el Proyecto 47 (acciones en relación a la vivienda, la burbuja inmobiliaria y la especulación), ¿Qué nos puedes contar sobre la situación actual del proyecto?
Ha estado en pausa un tiempo, porque hemos estado, entre otras cosas, medio año viviendo en Cádiz preparando el trabajo sobre las migraciones. Pero volveremos a activarlo pronto, es un trabajo que todavía tiene mucho que contar. Desgraciadamente, no hemos aprendido nada. Hemos pasado de la crisis y el estallido de la burbuja inmobiliaria a la especulación atroz con los precios de venta y del alquiler, piso turísticos, gentrificación… la estupidez del ser humano no tiene límites.
 
Arte contemporáneo, post-arte, ¿Hacia dónde se dirige tu trabajo ahora?
No lo sé. Tengo la sensación que está en un buen momento, pero etiquetarlo me cuesta. Siempre he construido mi camino, un camino propio, alejado de modas y tendencias. Soy muy independiente y hago gala de ello. Como todos , tengo influencias y vivo en el presente, pero me gusta pensar que voy por libre.
Seguiré buceando en mi universo, pero creo que voy a abrirme a más técnicas para expresarlo.  Veo junto a la performance, más presencia del dibujo, la pintura, la escritura, la instalación… proyectos más globales que aúnen y mezclen varias disciplinas.
 
¿Qué le dirías a alguien que va iniciando en el mundo del arte?
Primero que trabaje mucho y tenga un proyecto sólido. Hay mucha competencia y si el artista no tiene claro lo que quiere, está perdido. El éxito depende de muchos factores externos, pero el trabajo bien hecho solo de nosotros. Lo segundo, que tenga paciencia y sea constante, el arte es una carrera de fondo con muchos altibajos y sobreviven los que se quedan.
 
Hablemos un poco sobre el taller que realizaremos en el marco de Art & Breakfast 5 en el Centre Pompidou Málaga. Cuéntanos un poco ¿en que consistirá? ¿Cuál será su enfoque? ¿Qué pueden esperar los participantes?
Va a ser un taller fundamentalmente práctico. De lo único que estoy seguro es que vamos a sudar. La performance no se puede enseñar académicamente, hay mil formas y ninguna técnica o vía que sea la correcta. Es un trabajo muy personal y abierto a mil influencias, por lo que cada performer tiene su forma de llevarla a cabo y todas son igualmente buenas.
Creo que la performance hay que vivirla, sentirla, jugar, divertirse, etc. Los participantes van a pasar dos horas muy intensas, los haré partícipes de mi mundo e interactuáremos entre nosotros, partiendo de algunos principios básicos y dejándonos llevar. Puede ocurrir cualquier cosa.